J’écoute énormément de radios sur internet. Ce n’est pas ma source primaire de découvertes, mais généralement les animateurs y sont intéressants, l’interactivité est plaisante et les palmarès me servent de baromètre, question d’avoir une idée de ce qui fonctionne dans le légendaire R.O.C., le Rest Of Cosmos. En contrepartie, c’est souvent là que naissent des attentes surréalistes quant aux nouveaux artistes. C’est pourquoi je tente de me tenir loin autour du hype que l’on créer autour de la musique, comme avec Grimes, alias Claire Boucher et de son troisième album « Visions ».

Après tout, pour moi, Grimes, s’inscrit parfaitement dans les projets de Arbutus Records, maison de disque montréalaise qui nous amené à l’avant-plan les Silly Kissers, Sean Nicholas Savage et Tops. Généralement, j’aime bien leurs parutions, mais de là à s’emporter comme c’est le cas avec Grimes, je n’en suis pas certain. Oui, Pitchfork lui a accordé la note de 8.5 avec une mention dans la catégorie « Best New Music » et c’est tant mieux. Pour ma part, j’ai préféré prendre le temps d’apprivoiser « Visions » avant d’établir un constat clair et précis sur l’efficacité et l’intuition de la machine à bruit indé. De toute façon, 500khz est un blogue de musique, pas de critique sociale ou d’analyse de marketing 2.0. Bon.

Force est d’admettre que “Visions” c’est pas mal bon. Au long des treize chansons, elle étale son électro-pop futuriste et psychotique avec son instinct bien à elle, libre et indépendant. À défaut de céder aux tentations d’une approche commerciale, Boucher livre ses pièces avec conviction et en laissant entrevoir des désirs évidents de créer un ensemble, une ambiance envoutante et mystérieuse, autour des textes et des arrangements. En plus d’avoir un bon sens mélodique, elle réussit à superposer chacune des intentions avec merveille. Bravo, mais on a quand même le sentiment de tourner en rond au long de « Visions ». Il manque l’épaisseur supplémentaire qui arrondit chacune des chansons. En plus d’être les morceaux les plus mémorables, « Nightmusic », « Genesis » et « Visiting Statue » sont les morceaux les plus achevés.

« Visions » est un bel exemple d’originalité et de profondeur, mais d’une recette qui s’épuisera plutôt rapidement. Je demeure perplexe de la pérennité de Grimes, malgré les qualités évidentes de cet album.

Grimes sur Arbutus Records: http://www.arbutusrecords.com/?page_id=21

The Low Anthem — Photo : courtoisie

Depuis que je suis un habitué des spectacles, j’ai vu de tout au niveau musical et au niveau social. Du punk, du métal, du jazz, du folk, du bruitage. J’ai vu des spectacles dans des bars où il y avait plus de gens sur scène que dans la foule. J’ai été à des festivals rock, à des concerts classiques et à des spectacles improvisés dans des sous-sols. En tant que spectateur, j’ai des attentes avant d’aller voir des artistes dans un contexte particulier. C’est pourquoi quand ma copine m’a offert un billet pour aller voir City and Colour, le 22 février, au Playhouse, la salle de spectacle de Fredericton, je n’ai pas refusé, croyant que l’ambiance de la pièce serait un bon endroit pour apprécier Dallas Green. J’aurai dû me méfier, après tout j’ai eu le nez fracturé à un spectacle de Kaïn, mais ça, je vais en parler dans ma biographie.

The Low Anthem, groupe américain assurait la première partie. L’admission de retardataires cinq, dix, quinze ou trente minutes après le début du concert a empêché à la formation d’installer une véritable atmosphère dans la salle. La sonorisation n’était pas à point; les harmonies vocales étaient imperceptibles, il y avait trop de basse, pas assez de guitares électriques et les éléments de la batterie ne ressortaient pas. Puis, les gens de notre rangée semblaient plus préoccupée par l’idée de faire du va et viens que par The Low Anthem. Dommage, le groupe démontrait de superbes flashs, à mi-chemin entre le folk roots et le rock psychédélique américain. Malheureusement, à force d’être dérangé par la lampe de poche des placiers, je n’étais plus concentré sur la scène depuis un bon bout de temps.

Cette tournée pancanadienne à guichet fermé est un moment marquant de la carrière de City and Colour. D’abord, le projet solo de Dallas Green est maintenant son projet principal, causant la séparation de son groupe Alexisonfire. Cela marque aussi le troisième album de Green, « Little Hell », disque platine au Canada. Il n’est pas étonnant que City and Colour attire une foule bien différente de celle qui porte en haute estime le premier album de Alexisonfire. Lors de l’entracte, les quatre sièges devant nous ont trouvé preneurs, un groupe dont le parfum de robine et d’Axe laissait présager le pire. Faut dire qu’ils étaient sur le party depuis un petit bout, assez pour être très insupportable. Leur présence fut tolérée, même si ce groupe a trouvé le moyen de ruiner ma soirée tellement ils étaient impolis et éméchés. Le Playhouse a été trop indulgent à leur endroit. Tant mieux s’ils se sont amusés, pour ma part, je garde un bien mauvais souvenir du premier spectacle auquel j’ai assisté dans cette salle.

« Ok, mais City and Colour, c’était comment? ».

De ce que j’ai pu apprécier, c’était bien. Dallas Green possède une superbe voix, un bon sens de l’écriture et une grosse collection de guitares. Le type n’est pas extraordinaire sur scène, mais il est honnête et fidèle à lui, tout comme son groupe. Daniel Romano (Attack in Black), faisait office de guitariste, une présence qui semble avoir rassuré ma copine. On a eu droit à des interprétations d’une majorité de pièces de « Little Hell » et aux incontournables (The Girl, Fragile Bird), sans failles et fidèles aux enregistrements. J’ai bien apprécié l’humour pince-sans-rire de Green qui a pris la sage décision d’ignorer les trop nombreux chahuteurs dans la salle. Il a également évoqué le passage de Alexisonfire à Fredericton 2003, demandant à la foule s’ils y étaient. Médusé quant aux applaudissements abondants, il mentionne qu’il n’y avait personne à ce concert.

City and Colour — Photo : courtoisie

Je suis bien perplexe quant à ma soirée. Il faut souligner autant la musicalité de The Low Anthem que l’inébranlabilité de City and Colour. Malheureusement, une mauvaise sonorisation, l’admission de retardataires bien après le début du spectacle et la tolérance inutile d’un groupe irrespectueux on fait en sorte que je garde une bien mauvaise impression de ce spectacle. Je n’aurai pas eu les mêmes attentes dans un bar ou à l’extérieur. Les salles de spectacles m’ont habitué à des standards qui n’ont pas été respectés hier soir.

The Low Anthem: http://www.lowanthem.com/

City and Colour: http://cityandcolour.ca/

Intime, c’est vite dit. Mike O’Neill était le plus nerveux de toute la bande. Laissez faire les « ah c’parce que c’t'un p’tit gêné pis c’t'un artiss exssssentrique». Au contraire, j’aime bien ces auteurs-compositeurs pour qui chaque spectacle est le premier. J’adore quand j’ai la chance de voir quelqu’un qui a façonné la musique indépendante, se soucier autant du moment présent, assez pour admettre publiquement sa crainte, quoiqu’évidente; sa jambe tremblait et les chansons se terminaient sèchement. Pas grave, Mike O’Neill ce n’est pas un interprète à voix, une bête charismatique ou une tête d’affiche rassembleuse. C’est Mike O’Neill, voilà. C’est un homme plutôt transparent quant à ses peurs, ses échecs et son quotidien. C’est aussi un maître de la mélodie pop à la Beatles, plus à l’aise dans un studio d’enregistrement que devant une foule avec sa guitare acoustique.

« Wild Lines » donne l’impression d’être l’aboutissement d’une vie à écouter de la musique, à l’intégrer et à l’écrire. Les chansons de O’Neill sont sans failles, tout comme les structures et les enchaînements. Il demeure très gêné, ce qui n’est pas un problème; pour lui il n’existe pas de mur physique entre les sessions d’enregistrements et mes écouteurs. Mike O’Neill s’offre un troisième album intègre et authentique, à mi-chemin entre affirmation et timidité. Ici la grande victoire est d’enchaîner une power pop très efficace avec originalité, sans redondances. “Wild Lines” est quelque part entre la sensibilité de George Harrison et la scène indé haligonienne des années 1990.

“Wild Lines”, en magasin le 28 février.

Site officiel: http://mikeoneillmusic.com/

On ne peut pas le renier : les membres de Royal Canoe accordent énormément d’attention à la qualité de l’instrumentation et à l’originalité de leurs compositions. La pièce d’ouverture, “Hold On To The Metal” est efficace. Royal Canoe ne s’aventure pas trop loin et prend le temps nécessaire pour nous accrocher dans son univers pop-progressif aux voix superposées. Ça fonctionne : le refrain est mémorable et le groupe réussit à nous amener ailleurs que quand leur esthétique pop indé, avec l’aide de détours scéniques, d’harmonies vocales et d’un banjo saturé.

Ça se gâte quand Royal Canoe joue les rockeurs progressifs. “Bathtubs” est beaucoup trop longue et n’aboutit à rien, malgré la qualité des riffs et des arrangements. La pièce nous accroche au départ, mais finit par nous épuiser à mi-chemin des six minutes. La suite est décevante : “Bloodrush” n’a pas la même portée pop que les pièces précédentes et c’est trop peu trop tard avec “Caught in a loop” qui ne fait que tourner en rond. “Extended Play” permet à Royal Canoe de nous impressionner avec leur sens mélodique raffiné et leur désir de réinventer la pop. Lorsqu’ils ne prennent pas le soin de canaliser ces éléments, les chansons sortent à l’envers comme en témoigne ce maxi. “Hold On To The Metal” est bien prometteur, mais il faudra que le groupe soit plus précis dans ses intentions à l’avenir.

Site officiel: http://www.royalcanoe.com/

Après avoir élevé la barre sur “Musique Bas-Canadienne d’Aujourd’hui”, Alaclair Ensemble s’en sert comme javelot sur “America”, son dernier doublé. Sonorités électro par-dessus le Hip Hop original du groupe, “America” s’éloigne de l’aspect expérimental du disque précédent, se faisait plus concis et direct, en garrochant une toune en une minute quelque. Incisif et subversif, Alaclair Ensemble donne encore cette impression que malgré la cohésion des chansons, la musique et les paroles sont toujours sur le point de s’écrouler, tout en nous surprenant à chaque coup de boom. Les beats frôlent la perfection, tout comme ils flirtent avec le relâchement. Très bonne idée que d’incorporer des remixes parmi les compositions originales, les versions revues s’agençant plutôt bien aux nouvelles pièces. Les dix-neuf pièces de “America” incarnent l’esprit Post-Rigodon du groupe : ce n’est pas parfait, mais ce que c’est l’fun.

Comme dans tout bon échange au hockey, Alaclair Ensemble offre avec «America», une recrue top prospect, “Dans l’South du Bas”, un EP de trois chansons avec les versions accapella de celles-ci. “Vire de bow”, “Les Insectes” et “Moulin Ben Sec”, s’avèrent être mémorables et hypnotisantes. Je ne sais pas pour vous, mais à l’heure actuelle, je suis comblé.

“America” et “Dans l’South du Bas”, disponible en téléchargement gratuit.

Site officiel : http://www.alaclair.com

Rock indé saturé hyperactif, il se dégage une couleur punk à certains moments de “The Agony Of Lhermitte”. Dès le morceau d’ouverture, “Blackout”, on sait qu’on a affaire à des surdoués qui façonnent des refrains accrocheurs avec précision et qui savent jouer avec la dynamique de la musique rock. Dans son interprétation nerveuse qui rappelle Spencer Krug (Wolf Parade), Rajiv Thavanathan sait utiliser l’énergie de sa musique à son avantage, ce qui alimente le EP dans son ensemble. “Jacquie” est plus pop, mais Secret Connection se révèle comme un groupe qui est en contrôle de ses moyens et qui connaît chaque recoin de sa musicalité. Avec concision, le groupe se permet d’arrêter en plein milieu de “Figurines” pour reconstruire la chanson avec un pont lourd et chaotique, sans couper son momentum.

“The Agony Of Lhermitte” marque très bien l’arrivée de Secret Connection sur la scène musicale. Le rock indé du groupe est très efficace tout en laissant entrevoir ses idées ambitieuses aux accents post-rock sur “Folk Song”. Toutefois, en évitant de jouer aux révolutionnaires expérimentaux, la formation se limite à ce qu’elle sait faire : jouer du rock avec des structures pop et une énergie punk. À télécharger et conserver précieusement; vous me remercierez plus tard.

Page Bandcamp: http://secretconnection.bandcamp.com/

L’Acadie avait finalement son auteur-compositeur qui se préoccupait de l’aspect littéraire de son oeuvre avant de rêver à un quelconque potentiel commercial. En 2006, entouré par les membres du groupe jazz-fusion Les Païens, il lançait “Oh Ma Ma”, un deuxième album dont la moitié des chansons auront été en rotation forte à CKUM, la radio étudiante de l’Université de Moncton. Toujours dans un esprit minimaliste, Joseph Edgar solidifiait ses assises et ratissait un public beaucoup plus large. Le lancement, “Y’a un train qui s’en vient”, en 2009, laissait entrevoir un Joseph Edgar tiraillé entre ses instincts folk et ses racines ancrées dans le rock alternatif. À l’époque résident de la Nouvelle-Écosse, ce troisième disque laissait entrevoir que la recette avait été bien utilisée, mais qu’on en avait fait le tour. Afin de ne pas commettre les mêmes erreurs que plusieurs auteurs-compositeurs du coin, Joseph Edgar devait tenter d’élargir son terrain de jeu.

La première surprise de sa carrière, elle est venue avec la parution de “Le Joseph Edgar EP” à l’automne 2011, marquant un retour au rock anglophone et un déménagement à Montréal. Pari risqué s’il en est un, mais à la fois nécessaire et réussi. En ce moment, le Canada semble plus ouvert que jamais à la diversité musicale de la francophonie canadienne, grâce à l’émergence d’une nouvelle vague d’artistes du Rest of Canada qui chantent en français. À l’Ouest, il y a Anique Granger, Geneviève Toupin et Les Surveillantes tandis qu’en Acadie, Lisa Leblanc et Radio Radio sont de superbes exemples d’une francophonie hors Québec qui s’assume et qui peut être en compétition avec ce qui se fait à Montréal, sans avoir à passer par un concours de télé-réalité.

Cette ouverture joue du côté de Joseph Edgar, qui s’entoure de Joe Gagné (Les Breastfeeders) à la réalisation, du trio The In’n Outs en guise de band et de la boîte Bonsound, qui se charge du booking et de la promotion de l’artiste. Ce déménagement et ce renouveau font le plus grand bien à l’artiste qui canalise sa créativité ailleurs que dans les anecdotes et ses légendes modernes. Ce maxi a servi de canevas à “Interstices”, son quatrième album.

Au long des quatorze chansons, Joseph Edgar est sombre, cynique et nihiliste tant dans les paroles que dans la musique. La présence de Joe Gagné est bénéfique, lui qui réussit à ressortir les intentions de l’auteur-compositeur-interprète. Certains morceaux auraient pu bénéficé d’un peu plus de concision, mais le rock de “Interstices” possède des qualités live qui évitent aux musiques de figer. C’est rock, c’est authentique et c’est sincère. La formule de Joseph Edgar ne fait plus appel à un effort de créativité et de simplicité volontaire. La batterie, la basse et les guitares laissent un bel espace à la spontanéité, mais aussi à la sobriété. La chimie avec The In’n Outs est palpable au point où on a l’impression d’entendre un band plutôt qu’une série de musiciens. Joseph Edgar peut maintenant assumer pleinement ses qualités et ses défauts. “Interstices” s’apprécie pour ses accents country, ses guitares amplifiées, ses racines folk et son rock désillusionné.

Car cynisme, il y a. “Pont McKay” est une liste d’illusions qui habitent nos vies tandis que “Feathers and tars” évoque une séparation avec les falaises du sud-ouest de la Nouvelle-Écosse comme arrière-plan. Les textes sont à point et mûris, malgré la lourdeur du propos, quelque part entre l’inaction amenée par doute et les remises en question obligatoires, comme en témoigne la pièce titre. Je me serai passé des reprises de chansons extraites de ses disques précédents. Les compositions originales forment déjà un bel ensemble s’inscrivant dans une période spécifique de la vie de Joseph Edgar, époque qui aura nourri sa musique, ses textes et son interprétation.

L’oeuvre de Joseph Edgar est impressionnante. Sans les outils mis à la disposition des autres artistes, il a lancé sur le marché quatre albums solo de manière indépendante, formant une discographie imposante. La grande différence est qu’il possède finalement les moyens de ses ambitions. ”Interstices” n’est pas parfait, mais représente l’aboutissement d’une belle et longue carrière.

“Interstices”, en magasin le 21 février 2012.

Page Bandcamp: http://josephedgar.bandcamp.com/

“Silver Skies” ne s’éloigne en rien de ce qui se fait en folk contemporain depuis quelques années. Une petite touche de country mélancolique ici, des arrangements ambiants, des paysages sonores qui évoquent la solitude et le froid. Si certaines pièces passent inaperçues, Will Whitwham écrit de très bonnes chansons, sans réussir à capter toute notre attention. Après la cinquième chanson, il faut se remémorer l’intention photographique de Lake Forest. De cette façon, son folk chalet-core s’apprécie beaucoup mieux. “Silver Skies” bénéficie de ce bel effort de simplicité volontaire et de cohésion.

Ça se gâte quand Lake Forest joue la carte cinématographique sur les pièces instrumentales du disque, son jeu instinctif n’arrivant pas à saisir la sobriété de son écriture. “Silver Skies” est composé de beaux flashs, mais Whitwham est plus efficace quand il joue dans les plates-bandes roots.

Page Myspace: http://www.myspace.com/lakeforestland

B.A. Johnston passe la moitié du disque à faire dans la dérision, sur une pop 8-bit minimaliste et rétro. En spectacle, c’est ce qui lève le plus, mais les références culinaires et la mention d’un “Douchestorm” n’arrivent pas à me faire rire. En fait, c’est désolant si l’on compare ces morceaux aux instants que Johnston passe seul avec sa guitare. Il possède véritablement un talent pour raconter une histoire, sans prétention et parfois sans but, comme lorsqu’il évoque son amour maladroit pour la bibliothécaire responsable du rayon des enfants. Si son humour naïf fonctionne bien quand il joue au conteur, il y a un malaise quand B.A. Johnston joue excessivement l’humoriste, à la quête de n’importe quelle reconnaissance.

Il y a tout un contraste entre les échecs dont B.A. Johnston fait état et l’humour qu’il tente d’amener de l’avant. La recette fonctionnait, mais à force d’enchaîner les albums et les tournées, le courant passe de moins en moins chez moi. Dommage, car une chanson sur une rupture amoureuse qui réussit à incorporer un dépanneur comme décor et Ben Johnson comme moyen pour mesurer la vitesse, c’est brillant et authentique. Johnston est drôle et touchant quand il le veut, comme en témoigne “Hi Dudes!”. Toutefois, à défaut de se prendre au sérieux et de renouveler son approche, je vais passer mon tour cette fois-ci.

“Hi Dudes!”, en magasin le 21 février.

Site officiel: http://www.bajohnston.ca

Il est plutôt difficile de cerner ce dans quoi The Just Barelys s’aventure. À défaut de se produire régulièrement en spectacle ou de lancer des parutions annuellement, la majorité de l’horaire du temps du duo est passée à écrire des morceaux Art Pop. Ici, les recherches musicales ne sont ni esthétiques, ni techniques. En fait, les deux membres de The Just Barelys sont des mélodistes pop qui brisent les techniques d’écriture une par une. Pas de refrains, pas de couplets ou de ponts. Contrairement aux autres groupes qui tentent cette expérience, ici les membres le font dans la concision et la tangibilité, la majorité des pièces se limitant à quelques guitares rock et à une batterie. Au lieu de prendre le temps d’installer les chansons, le groupe réussit à tout livrer dans une moyenne de trois minutes.

C’est donc à coup d’harmonies vocales que “Mad Bits” se dévoile tranquillement à nous. Sans être incomparable, il y a tout de même une bonne dose d’unicité ici. On n’absorbe pas tout d’un coup ce que The Just Barelys tente de faire passer, mais après plusieurs écoutes, cet album révèle plusieurs petits secrets. Dans le cadre de leur cabale Art Pop, le duo utilise le cynisme comme moyen de raffiner ses expérimentations et le minimalisme comme ancrage. Avec un peu de patience, The Just Barelys se taillera une place dans votre liste d’écoute.

“Mad Bits”, en téléchargement à contribution volontaire

Site officiel: http://thejustbarelys.ca/